ラファエロ 作品一覧と有名作品の解説

「ヒワの聖母」は、ラファエロがフィレンツェで活動していた時期の代表的な聖母子画です。ジョルジョ・ヴァザーリの記録によれば、フィレンツェの裕福な商人「ロレンツォ・ナージ」が、1506年2月に行われた「サンドラ・ディ・マッテオ・カニジャーニ」との結婚に際してラファエロに依頼した作品とされています。

作中では「聖母マリア」「幼子イエス」「幼い洗礼者ヨハネ」の3人が、美しいピラミッド型の構図の中に配置されています。3人の視線や仕草も巧みに結びつけられ、ラファエロらしい調和の取れた聖母子像に仕上げられています。

画面に向かって左側の「洗礼者ヨハネ」が手にしている小鳥が、作品名の由来となった「ヒワ（ゴシキヒワ）」です。ヒワはキリストの受難と結びつけられてきた鳥で、その赤い羽毛は、後にキリストが流す血を暗示するものとされています。幼いヨハネがヒワをイエスに差し出し、イエスが優しく触れようとする姿によって、穏やかな幼少期の場面の中に、将来のキリストの受難が暗示されています。

3人の人物を三角形の中に収めた安定感のある構図や、遠景へ溶け込むような柔らかな表現には、ラファエロがフィレンツェで研究したレオナルド・ダ・ヴィンチの強い影響が見られます。ウフィツィ美術館では、ダ・ヴィンチの「聖アンナと聖母子」の構想に加えて、ミケランジェロの「ブルッヘの聖母」からの影響も指摘しています。

また、聖母マリアが手にしている小さな聖書も見逃せません。これはマリアの信仰を示すと同時に、ヒワと同様に、将来訪れるキリストの犠牲を暗示するモチーフとされています。

本作には、作品そのものの美しさだけでなく、一度バラバラになった絵画が再生したという興味深い歴史もあります。1547年、所有者「ロレンツォ・ナージ」の邸宅が地滑りによって倒壊した際、本作も巻き込まれて17の断片に割れてしまいました。その後、破片をつなぎ合わせる大規模な修復が行われています。

長年にわたって画面には損傷や過去の修復跡が残っていましたが、ウフィツィ美術館とフィレンツェの修復機関による長期的な修復を経て、現在ではラファエロ本来の色彩や人物表現をより鮮明な状態で鑑賞できるようになっています。

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「草原の聖母」は、ラファエロがフィレンツェで活動していた20代前半に手がけた代表的な聖母子画です。かつてウィーンのベルヴェデーレ宮殿に収蔵されていたことから、「ベルヴェデーレの聖母」とも呼ばれています。

作中では、草原を背景に「聖母マリア」「幼子イエス」「幼い洗礼者ヨハネ」の3人が描かれています。片膝をついたヨハネが小さな十字架を手にし、イエスがそれに手を伸ばす姿は、後に訪れるキリストの受難を暗示しています。その様子を見つめるマリアの穏やかな表情にも注目です。

3人の人物は、聖母マリアの頭部を頂点とする安定したピラミッド型の構図に収められています。柔らかな光や遠くまで広がる風景、人物を一つのまとまりとして配置する構成には、ラファエロがフィレンツェ滞在中に研究したレオナルド・ダ・ヴィンチの影響を見ることができます。

前でご紹介した「ヒワの聖母」と構図や登場人物がよく似ているため、2作品を比較して見るとラファエロの聖母子画の特徴がよく分かります。本作ではマリアが両手を使って幼子イエスを優しく支え、イエスはヨハネの持つ十字架へと身を乗り出しています。穏やかな母子の情景と、将来の受難を予告する十字架が一つの画面に自然に組み込まれている点が見どころです。

本作は、フィレンツェの商人で芸術愛好家だった「タッデオ・タッデイ」のために描かれたとされています。ラファエロとタッデイは親しい関係にあり、ジョルジョ・ヴァザーリも、ラファエロがタッデイのために2点の聖母子画を制作したことを伝えています。

その後、17世紀にハプスブルク家のコレクションに入り、オーストリアへと渡りました。現在はウィーンの美術史美術館に所蔵されており、同館を代表するラファエロ作品の一つとなっています。

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「大公の聖母」は、ラファエロがフィレンツェに滞在していた1506年〜1507年頃に手がけた聖母子画です。当時のラファエロは、師ペルジーノから学んだ表現に加え、レオナルド・ダ・ヴィンチらフィレンツェで活躍する芸術家の作品を研究しながら、自身の画風を大きく発展させていました。

作中では、暗い背景の中に立つ聖母マリアが、幼子イエスを両腕で優しく抱えています。マリアは視線を静かに下へ落とし、幼子イエスを鑑賞者の方へ差し出すような姿で描かれています。

穏やかな母子像でありながら、マリアのどこか物悲しい表情には、やがて訪れるキリストの受難と犠牲を予感させるような雰囲気が漂っています。聖母子の深い愛情と、その先に待つ悲劇を同時に感じさせる点が本作の大きな見どころです。

また、人物を柔らかな明暗によって立体的に浮かび上がらせる表現には、ラファエロがフィレンツェ時代に研究したレオナルド・ダ・ヴィンチの影響も見て取れます。

現在では黒い背景が印象的な作品ですが、この背景はラファエロが最初に描いた状態とは異なります。X線による調査では、黒い背景の下から、アーチを支える柱と右手に広がる風景が確認されています。

つまり本来は、現在のように聖母子だけが暗闇から浮かび上がる構図ではなく、建築と風景を背景にした、より日常的な雰囲気を持つ聖母子画だったと考えられています。背景が変更された正確な時期や人物は分かっていませんが、後世の美的嗜好に合わせて黒く塗り替えられた可能性が指摘されています。

なお、本作の依頼主や初期の来歴については明らかになっていません。「大公の聖母」という名称は、1799年秋から1800年冬にかけて本作の購入を認めたトスカーナ大公フェルディナンド3世に由来しています。

フェルディナンド3世とその家族はこの作品を非常に気に入り、ピッティ宮殿の私室に飾っていました。大公はフィレンツェを離れている時に限って一般への公開を許していたと伝えられています。1882年からは、現在と同じピッティ宮殿・パラティーナ美術館の「サトゥルヌスの間」に展示されています。

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「キリストの遺骸の運搬」は、ペルージャの名門バリオーニ家の女性「アタランタ・バリオーニ」の依頼によってラファエロが制作した祭壇画の中央パネルです。「バリオーニ祭壇画」などとも呼ばれています。

アタランタの息子「グリフォネット・バリオーニ」は、1500年に起きたバリオーニ家内部の血なまぐさい抗争に関与した後、命を落としました。本作は亡くなった息子を追悼する意味を込めて依頼されたと考えられており、1507年にペルージャのサン・フランチェスコ・アル・プラート教会に設置されました。

作中では、十字架から降ろされたキリストの遺骸を複数の人物が墓へ運ぶ場面が描かれています。画面中央で力なく垂れ下がるキリストの身体を中心に、周囲の人物たちがそれぞれ異なる方向へ身体を動かしており、ラファエロ初期の作品の中でも特に動きと緊張感に富んだ構図となっています。

この時期のラファエロはフィレンツェでレオナルド・ダ・ヴィンチやミケランジェロの作品を研究しており、本作にもその成果が現れています。特に、力を失って反り返るキリストの身体には、サン・ピエトロ大聖堂にあるミケランジェロの「ピエタ」との関連が指摘されています。

さらに画面右側では、息子の死を前にして気を失った聖母マリアを女性たちが支えています。中でも、身体をひねりながら聖母を支える女性の複雑なポーズには、ミケランジェロがウフィツィ美術館のために描いた円形画「聖家族（トンド・ドーニ）」の影響を見ることができます。

また、画面左側でキリストの手を取るマグダラのマリアにも注目です。青白く力を失ったキリストの手と、生きているマグダラのマリアの手が重ねられ、「死」と「生」の違いが色彩によって印象的に表現されています。

作品には「RAPHAEL URBINAS MDVII（ウルビーノのラファエロ、1507年）」と署名・制作年が記されており、ラファエロが20代半ばに差しかかる時期の重要作品であることが分かります。

本作は完成後、約100年間にわたってペルージャのサン・フランチェスコ・アル・プラート教会を飾っていましたが、1608年、教皇パウルス5世の甥で熱心な美術収集家だったシピオーネ・ボルゲーゼ枢機卿のために教会からローマへ移されました。

その後はボルゲーゼ家のコレクションとなり、現在もローマのボルゲーゼ美術館に展示されています。祭壇画を構成していたプレデッラなどの他の部分は現在別の場所に所蔵されており、当初の祭壇画は分散しています。

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「美しき女庭師」は、ラファエロが24歳頃、フィレンツェ時代の終盤に手がけた代表的な聖母子画です。正式な主題は「聖母子と幼い洗礼者聖ヨハネ」で、フランス語の通称「ラ・ベル・ジャルディニエール（La Belle Jardinière）」でも広く知られています。

作中では、草原に腰を下ろした聖母マリアを中心に、幼子イエスと幼い洗礼者ヨハネが描かれています。聖母マリアの頭部を頂点として3人を結ぶ安定したピラミッド型の構図は、本記事でご紹介している「草原の聖母」や「ヒワの聖母」にも共通する、ラファエロのフィレンツェ時代を代表する構成です。

特に印象的なのが、聖母マリアと幼子イエスが互いに視線を交わす親密な表現です。イエスは母の膝に手を置きながら顔を見上げ、マリアも穏やかな表情で我が子を見つめています。その横では、洗礼者ヨハネが跪き、イエスを見上げています。

また、聖母マリアの頭部から肩にかかる透明なヴェールや、柔らかな肌、衣服の質感なども見どころです。人物を一つのまとまりとして配置しながら、背景には遠くまで続く穏やかな風景が広がり、人物と自然が調和した非常に完成度の高い画面となっています。

ラファエロはフィレンツェ滞在中、レオナルド・ダ・ヴィンチやミケランジェロの作品を熱心に研究しました。本作にも、人物を三角形にまとめる構図や柔らかな明暗表現など、レオナルドから学んだ要素を見ることができます。一方で、人物の穏やかな表情や明るく澄んだ色彩には、ラファエロ独自の優美な作風がはっきりと現れています。

「草原の聖母」「ヒワの聖母」と見比べると、ラファエロがフィレンツェ時代に繰り返し追究した聖母子画の構図が、本作でさらに洗練されていることが分かります。ルーブル美術館も、本作をフィレンツェ時代における「聖母子と幼い洗礼者ヨハネ」を描いた一連の探究を締めくくる作品として位置づけています。

なお、本作の依頼主や初期の来歴については確かなことが分かっていません。ルーブル美術館の記録では、フィレンツェの芸術愛好家「タッデオ・タッデイ」が所有していた可能性や、その後フランス国王フランソワ1世のコレクションに入った可能性が示されていますが、いずれも確定していません。

現在はルーブル美術館・ドゥノン翼1階のグランド・ギャラリーに展示されており、「モナ・リザ」などと合わせて鑑賞できるラファエロの代表作の一つです。

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バチカン美術館の「ラファエロの間」の一つ「署名の間」で、「アテネの学堂」と向かい合う壁面を飾るフレスコ画の傑作が、この「聖体の議論」です。

「聖体の議論」という名称で広く知られていますが、バチカン美術館によれば、本来は「宗教の勝利」と呼ぶ方が作品の主題を正確に表しています。向かい側の「アテネの学堂」が哲学による「理性的な真理」を表すのに対し、本作はキリスト教の信仰による「超自然的な真理」＝神学を表現した作品です。

画面は大きく天上界と地上界に分かれていますが、その中央を貫く縦のラインに「父なる神」「キリスト」「聖霊」、そして祭壇上の「聖体」が配置され、天と地を一つにつないでいます。

画面上部の天上界では、中央のキリストを挟んで聖母マリアと洗礼者聖ヨハネが座り、そのさらに上には父なる神、下には聖霊が描かれています。その周囲には、聖ペテロ、アダム、福音書記者ヨハネ、ダビデ、モーセ、アブラハム、聖パウロなど、旧約・新約聖書に登場する人物たちが半円を描くように並んでいます。

一方、画面下部の地上界では、聖体顕示台が置かれた祭壇を中心に、教会の聖人や神学者たちが集まっています。天上界の秩序だった静かな構成とは対照的に、地上では人物たちが本を開いたり、互いに身振りを交えたりする姿が描かれています。

祭壇に近い位置には、ラテン教会を代表する4人の教父「聖グレゴリウス1世」「聖ヒエロニムス」「聖アンブロシウス」「聖アウグスティヌス」が配置されています。中でも聖グレゴリウス1世は、本作を含む「署名の間」の装飾をラファエロに任せた教皇ユリウス2世の容貌で描かれています。

さらに地上界には実在した歴史上の人物も紛れ込んでいます。画面右側には教皇シクストゥス4世と、その背後に月桂冠をかぶった詩人ダンテ・アリギエーリ、左端には画家としても有名なフラ・アンジェリコの姿を確認できます。

鑑賞する際は、中央の「父なる神 → キリスト → 聖霊 → 聖体」という一直線の構図に注目してみてください。天上の神と地上の人間を「聖体」によって結びつけるという、本作全体のテーマが視覚的に表現されています。

なお「署名の間」は、もともと教皇ユリウス2世の図書室兼私的な書斎として使用された部屋です。「聖体の議論＝神学」「アテネの学堂＝哲学」「パルナッソス＝詩」「枢要徳と対神徳、法＝正義」という壁画群によって、ルネサンス期における人間の知と精神世界が部屋全体で表現されています。

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ラファエロの作品の中でも最高傑作の一つに数えられる「アテネの学堂」は、バチカン美術館の「ラファエロの間」の一つ、「署名の間」を飾る巨大なフレスコ画です。ラファエロが教皇ユリウス2世に招かれてローマへ移った後、20代後半に手がけた作品です。

署名の間は、もともと教皇ユリウス2世の図書室兼私的な書斎として使用された部屋で、壁画と天井画によって「神学」「哲学」「詩」「正義」という人間の知と精神世界が表現されています。その中で「アテネの学堂」は「哲学」、つまり理性によって追究する真理を象徴する作品です。

向かい側の壁には、信仰による超自然的な真理を表した「聖体の議論」が描かれており、「哲学」と「神学」、「理性」と「信仰」が向かい合うように配置されています。

作中では、古代ギリシャ・ローマを代表する哲学者や数学者、科学者たちが、時代を超えて壮大な建築空間に一堂に会する場面が描かれています。

作品中央を歩く2人は、向かって左側が「プラトン」、右側が「アリストテレス」です。プラトンは著書「ティマイオス」を手にしながら指を天へ向け、アリストテレスは「ニコマコス倫理学」を持ちながら手のひらを地上へ向けています。

この対照的な仕草は、目に見える世界を超えた理念を重視したプラトンと、現実世界の観察や経験を重視したアリストテレスという、2人の哲学の違いを視覚的に表したものと見ることができます。なお、プラトンの顔にはレオナルド・ダ・ヴィンチの面影があるとする説が広く知られています。

背景に広がる壮大な建築空間にも注目です。バチカン美術館によれば、この建築は、建築家「ドナト・ブラマンテ」による旧サン・ピエトロ大聖堂の再建計画から着想を得たものです。巨大なアーチが幾重にも重なる空間と、中央へ向かって収束する遠近法によって、自然とプラトンとアリストテレスへ視線が導かれる構成になっています。

中央の2人以外にも、作中には古代を代表する人物が数多く登場します。画面左下で本に書き込みながら弟子たちに説明しているのが「ピタゴラス」、中央の階段に一人で横たわっている人物が「ディオゲネス」です。

また、画面中央下で大理石の台に寄りかかり、一人で紙に文字を書いている人物は「ヘラクレイトス」です。この人物には、当時すぐ近くのシスティーナ礼拝堂で天井画を制作していたミケランジェロの顔が用いられています。

画面右側には、弟子たちに身をかがめながら幾何学を教える「ユークリッド」、天球を持つ「ゾロアスター」、地球儀を持つ「プトレマイオス」なども描かれています。

そして画面右端、黒いベレー帽をかぶってこちらを見つめている若い人物が作者ラファエロ自身です。古代を代表する哲学者や学者たちの中に、自らの姿をさりげなく登場させています。

実際に鑑賞する際は、中央のプラトンとアリストテレスだけでなく、ミケランジェロの姿を借りたヘラクレイトスや、右端に描かれたラファエロ本人も探してみてください。人物の正体を知ってから見ると、50人を超える人物が描かれた巨大なフレスコ画をより楽しむことができます。

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バルダッサーレ・カスティリオーネの肖像

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本作のモデル「バルダッサーレ・カスティリオーネ」は、ウルビーノ宮廷で活躍した外交官・作家・人文学者で、ラファエロとも親しい友人関係にあった人物です。後に出版された代表作「宮廷人（イル・コルテジャーノ）」では、教養や礼節、芸術への理解など、理想的な宮廷人に求められる資質を対話形式で描いています。

ラファエロはカスティリオーネを、豪華な装飾品や権力を示すモチーフとともに描くのではなく、灰色、黒、白を中心とした非常に落ち着いた色彩の中に表現しています。毛皮の柔らかな質感や衣服の細かな違いまで丁寧に描き分けられていますが、全体としては非常に控えめで上品な印象です。

特に印象的なのが、少し身体を斜めに向けながら、こちらを静かに見つめるカスティリオーネの表情です。威厳を誇示するというよりも、知性や穏やかな人柄、洗練された教養を感じさせる肖像画となっています。

両手を身体の前で自然に重ねる構図や人物の柔らかな立体表現には、ラファエロがフィレンツェ時代に研究したレオナルド・ダ・ヴィンチの肖像画からの影響も見ることができます。一方で、より明瞭な輪郭と調和の取れた色彩には、ラファエロ独自の肖像表現が確立されています。

また、モデルと画家が親しい友人同士だったことも、本作を見る上で興味深いポイントです。単に社会的地位を示すための肖像ではなく、ラファエロがよく知る友人の人柄まで描き出そうとした作品として見ることができます。

本作は後世の画家にも高く評価され、肖像画の一つの模範となりました。現在はルーブル美術館のドゥノン翼1階に展示されており、ラファエロ円熟期を代表する肖像画として鑑賞できます。

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友人のいる自画像

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本作は、ラファエロ晩年に描かれた肖像画で、画面に向かって左奥に描かれているのがラファエロ自身です。手前には黒い衣服をまとった男性が大きく描かれていますが、この人物が誰であるかは現在も特定されていません。

手前の男性については、ラファエロの弟子として活躍した「ジュリオ・ロマーノ」をはじめ、ラファエロと親交のあった人物など複数の説がありますが、いずれも決定的な証拠はありません。

鑑賞時に注目したいのが、2人の人物の視線と手の動きです。手前の男性はこちら側を振り返り、ラファエロはその肩に親しげに手を置いています。さらに手前の男性はラファエロの方を指し示しており、2人の間に親密な関係があったことを感じさせます。

また、黒を基調とした衣服と暗い背景によって人物の顔や手が際立ち、派手な装飾に頼らず、2人の関係性そのものを印象的に見せているのも本作の大きな魅力です。

本作はフランス王室のコレクションに加わり、現在はルーブル美術館に所蔵されています。かつては別の画家の作品と考えられた時期もありましたが、現在はラファエロの作品として扱われています。

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キリストの変容

「キリストの変容」は、ラファエロが生涯の最後に手掛けた作品で、バチカン美術館の絵画館「ピナコテカ」を代表する傑作です。作品は上下で大きく二つの場面に分けられ、新約聖書「マタイによる福音書」に記された連続する二つのエピソードが描かれています。

画面上部では、山上でキリストの姿が光り輝き、その左右に旧約聖書の預言者「モーセ」と「エリヤ」が現れる「キリストの変容」の場面が描かれています。その下では、突然の出来事を目の当たりにした使徒たちが驚き、地面に身を伏せています。

一方、画面下部に描かれているのは、悪霊に取り憑かれた少年と、その少年をキリストの弟子たちのもとへ連れてきた人々です。弟子たちだけでは少年を救うことができず、この後、山から戻ってきたキリストによって少年は癒されます。

鑑賞する際は、静かで神聖な上部と、激しい身振りや表情が交錯する下部の対比に注目してみてください。光に包まれて浮かび上がるキリストと、暗闇の中で救いを求める人々を一枚の画面に配置することで、天上と地上、神聖と混乱が劇的に表現されています。

本作は、後に教皇クレメンス7世となる枢機卿「ジュリオ・デ・メディチ」が、自身が司教を務めていた南フランス・ナルボンヌのサン・ジュスト大聖堂のためにラファエロへ依頼した祭壇画です。同時にセバスティアーノ・デル・ピオンボにも「ラザロの復活」が依頼され、両作品は競い合うように制作されました。

しかし、作品が完成に近づいた1520年4月6日、ラファエロは37歳でこの世を去ります。結果として「キリストの変容」はラファエロ最後の作品となり、完成後もナルボンヌへ送られることなくローマに残されました。

その後、1797年にフランスへ運ばれてパリで展示されましたが、ナポレオン失脚後の1816年にローマへ返還されました。現在はバチカン美術館のピナコテカに展示されています。

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